Month: April 2025

序/

在當前多元文化的背景下，劇場藝術正在尋求新的表達形式及與觀眾互動的可能性。林奕華(Edward Lam)導演的新作《我在那時錯過了你》體現了這一趨勢。作為一位以實驗和創新著稱的導演，林奕華這次特別選擇「Lecture Performance」的呈現方式，將臨場的互動融入演出中，激發觀眾的思考與參與。他希望通過這樣的形式，引導觀眾去探索劇本所蘊含的深層意義，促使觀眾對於選擇、時間和人際關係等議題進行反思。

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「我在那時錯過了你」的構思起源是怎樣開始?同時跟梁祝的一年這個計劃有着甚麼的關連?

《我在那時錯過了你》導演、演出 – 林奕華 Edward Lam(以下簡稱「Edward 」)

Edward: 這部作品的初衷主要源自於檢視演員、劇本及空間三者之間的密切關係。過去十年，我與王宏元和路嘉欣的合作經驗使我對他們的表現深感熟悉，然而，在話劇形式上卻少有接觸。於是，我開始思考，如果我們能把這些傳統演員帶入一份專為話劇設計的劇本中，他們又會展現出怎樣的才華與不同的演出體驗呢?

去年進行的《A.I.時代與梁祝的繼承者們》在劇本的尾聲，美術館的表演中，兩位演員所展現的交流令我感受到某種延續的可能性，我想看看這兩位演員在更完整與集中的篇幅中進行交流。恰巧我看到英國國家劇院正在製作《Constellations》，這部戲僅由兩名演員構成，且情節圍繞他們之間的互動。我問了兩位演員對這部戲的看法，他們都表示有興趣。女主角的某些特質與路嘉欣相似，而男主角則與王宏元有相似之處，這就讓我看到了將劇本和演員之間的連結。

再者去年十一月，我與台中歌劇院展開了一個計劃，旨在培養觀眾。這並不是僅僅在台中進行的思考，而是我在香港一直都在推動的一個課題。當今的劇場經常強調觀眾對演員的認同和喜愛，但對我而言，創作的過程往往應該是一個冒險。我不斷探索著，不滿足於僅僅重複熟悉的事物，而是渴望在未知中尋找可能性的創新。台中作為一個場地比香港更有建築特色，他們很慷慨地給我們一個星期的時間，隨意用那個地方，所以我就把三樣東西結合在一起。把一個大家未必熟悉的劇本，帶兩個演員進去，觀眾隨時都可以進來這個場地，然後看到我們怎樣談劇本，看到我們怎樣了解這部戲，再嘗試找一種表演形式。這是我們第一階段的演出，名為《台中台·戲中戲》。我們不僅僅是排戲，我們試圖與觀眾進行互動，讓他們能夠了解到我們正在講述一個什麼樣的故事。正如我所想，觀眾來到現場時，我們調整了排練的方式，甚至讓他們直接參與到劇本的閱讀和討論中。這樣的設置使得我們的觀眾無論背景如何，都能有機會了解到這部作品。

隨著時間的推移，今年三月進行了第二次表演。在這一階段，我選擇不重複之前的模式，而是直接進入了完整的演出。透過利用場地的特點，安排觀眾的座位，觀眾能夠從不同的角度欣賞到這部作品的魅力。我總是拿這種空間比喻成一顆蘋果切開了兩半之後，觀眾藉由五場不同的視點把整個蘋果都品味到，每場互動都在不斷切換觀眾的視線，讓他們的視野同時交織出不同的觀感與反思。

因此，《我在那時錯過了你》這個作品，實際上是三個方面的交織——演員、劇本以及空間。它們在這個獨特的過程中交融，彼此影響，籠罩著整個演出，旨在讓所有觀看的觀眾，不論他們的背景如何，皆能感受到這個劇本和演出。無論在香港還是台中，我想這個作品的生命力，是可以隨著不同空間和不同觀眾的交流而不斷延伸的。

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今次用了「Lecture Performance」這個手法去呈現，在整個佈局或者當中技巧上的特色是甚麽?而你與演員在準備的過程中跟以往有甚麼不同?

Edward: 我覺得這是培育觀眾的一個形式。作為導演，我會在演員演出時隨時介入，這樣的介入不是事先編寫好的劇本，而是一種即興的反應。當演員演完一場後，我會根據觀眾當時的反應，簡單介紹下一場的內容。我的串場像是在美術館觀賞藝術品的過程有個導賞帶領，觀眾隨時都有新的觀感和想法浮現。因此，這種方式讓觀眾並非僅僅坐在鏡框式的舞台前靜靜地觀賞，而是成為了整個舞台改變過程中的一部分。

這部戲還有一個階段就是聊天節，在香港大學的即興彩排中，參加的學生們能夠拿到一頁劇本或分到角色，然後可以跟演員演對手戲，這對演員而言是一種全新的體驗。他們以往只有在排練完畢後才能獲知觀眾的反應，但這次他們卻是在觀眾的實時反應下進行演出，變相令演員可以與這部戲在有觀眾的情況下一同成長，令他們在處理上變得容易。對我來說，「實驗」不應該和「困難」相聯繫。每個實驗都是一個自由探索的過程，我們並不能確保每個想法都能夠實現，但每一個步驟都是在幫助我們去進入下一個階段，所以過程中我們並沒有遇到障礙或者忽然間覺得這件事做不下去。

值得一提的是，參與的三位演員都有著豐富的經驗和想法，他們能夠適應這樣的合作模式。所選擇的劇本本身也具有極強的實驗性，因為它是一個後設式的一個編寫方式，要求觀眾看每個場景的同時對自己的想法做些實驗。即使每場戲看似相似，我們依然能通過更替的時空設定來挑戰觀眾的接受能力。

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故事本身的設定是兩個截然不同背景的人要如何去處理多維的敍事與溝通，當中的內容設定有沒有特別的想法?

Edward: 我看到不同的人排這齣戲，他們都會比較著重演員的表現。我反而覺得我更加著重空間，我們在不同的地點演出，在荃灣和台中的表現都突破了以往的舞台設限。北京的導演 – 王翀，他做這齣戲用了一個很大的屏幕，然後用很多鏡頭圍著兩個演員，每場戲大致分布了各個鏡頭，然後記錄所有走位，每一場都可以視作攝影機拍攝下的一幕幕電影。而我的做法也有用現場的鏡頭去記錄，再配合我剛才所說將空間切開兩邊，其中一晚演員在沒有座椅、沒有觀眾席的一邊演戲，利用現場的鏡頭記錄演員的每一個動作，並將投影到另一邊觀眾面前。觀眾選擇是觀看演出，還是觀看投影，但兩邊都是同事在發生。

我們在製造各種對平衡宇宙的演繹，你明晚來看，我把所有演員換掉，但他們說着同一樣的台詞，令你有種似曾相識的感覺。後晚再來看，我用三個人去演繹兩個人的角色。我將所有空間放寬，觀眾可以隨意選擇座位，或者我限定觀眾的座位。這些做法都是演繹着其實在這個空間並不只有一個「我們」，而是有很多「我們」在同一個時空、同一個宇宙存在着。

這是我第二個做的翻譯劇本，它所包含的空間可以讓人不斷探索，發現更多以往未曾察覺的細節。有另一個很多人都喜歡，關於一宗性侵案件的劇本，在英國國家劇院都有製作，香港叫做《完美證供》，我覺得他們在時間的處理手法上是很不同的，因為這部戲的結局並不是會令看完的觀眾能夠找到自己的立場或者態度，而是在這部戲中，每個角色在那一刻都可以做不同的決定，而觀眾就要去想像那一個才是所謂的「真實」。結局並沒有給予答案「什麼是真實?」但這亦是一個不需要有答案的問題。觀眾帶着「什麼是真實?」的意識融入在生活裏面，比起一個有答案的結局反而會更好，因為我們可以針對着不同的事情去提出疑問，而並不是用同一個標準答案套用在不同的事情裏面。

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對觀眾而言，這個作品最值得要感受的是哪一個部份?

Edward: 正如我在《完美證供》及其結局中所反映的那樣，一部戲結局不是告訴我們一種希望的概念，更多的是指引觀眾思考他們在觀賞過程中所經歷的情感與反應。事實上，對於我來說，這個問題所引發的思考，是我創作的核心所在。我一直最感興趣的是我們如何理解和看待事物。這種探索驅使我去反思自己在創作過程中的目的:為什麼要製作這部作品?我希望這部作品能傳達什麼?形式的選擇在其中是一個關鍵元素，因為它決定了作品與觀眾之間的互動模式，不同的形式會引發觀眾截然不同的感受。

譬如聊天節，觀眾的角色就會隨著時間而變化。他們可能在某個下午來聆聽我講述一個故事，接著再觀看他們的排練，最後參與與主持人的對話。這三個環節雖然都涉及觀眾坐在椅子上，但每個環節所構建的體驗卻完全不同，這正是我希望探索的「看」與「被看」的多重關係。

我這幾天都在回想，因為我上星期自己回看《艱辛歲月》，我才知道它說什麼。這部劇是我做的，但在創作時，我其實並沒有刻意去思考生活的碎片性。直到最近再度回顧這部作品，我才意識到它所表現的就是人們的日常生活是如何被分解為一個又一個短暫的瞬間。這種碎片化的處理，讓我產生強烈的感受，我們的生活實際上都在交織著不同的視角與關聯。我忽然覺得整件事有第二種合理性或者第二種影響，讓我思考到作品本身並不是單純的訊息傳遞，而是一種內在的感受，會對人造成改變。

所以現在要做這個《我在那時錯過了你》，我渴望我的作品能夠給觀眾帶來積極的感受，但這不是一個口號，亦不是一個宣言，它更關乎於觀眾自身的內在轉化與覺知。作為觀眾，他可能進來就會經歷一樣東西，我們可以好好聊天，好好地了解這部戲到底是關於什麼?為什麼這樣做?我希望在這部戲有這樣的空間。我想用我自己出來講一個故事，創作本身就是一個故事，而且我創作四十年，我希望這四十年的故事對現在年輕做創作的人有些幫助。

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可否用一兩句簡短的說話去形容「選擇」這個命題是一件怎樣的事情?

Edward: 我們對於未來的把握程度越來越低，與十年前、二十年前相比，人們危機感增加使得在做出選擇時更加謹慎，隨之而來的則是缺乏安全感。這種現象背後的原因，在於我們所處的環境越來越被動和極端化。早期只有少數人能運用電腦，現在幾乎每個人都在利用這項工具。然而，使用者的主動性與被動性卻呈現出一種反差，越來越多的人在使用科技的同時，也在不知不覺中失去了對自身選擇的控制感。我認為電腦是一種意識形態的具現。它不僅僅是一項技術，更是一個塑造人們思維與行為的強大工具。在這個過程中，擅長使用這些科技的人往往成為權力的掌控者，而大多數人卻逐漸被動化。這樣的現象使得人們難以去思考與創造，常常依賴外部的刺激與引導，面對許多生活中的必然選擇，他們往往感到自己無法真正做出自主決策。

如果把這個主題推到極端，會發現那些真正自由的人，往往是選擇不去使用科技的。因此，這告訴我們，所謂的選擇，其實是在強烈的社會環境壓力下所產生的「假選擇」。面對這種情況，許多人無法真正做出自我意識的選擇，反而選擇了自我安慰的「假如」，即便這些想像並不具備實際意義。心理學上所提到的補償行為，在現今的文學、電影和其他娛樂產品中愈發明顯。人們在逃避現實的過程中，將焦點放在虛構的內容上，試圖尋找慰藉，但事實上，這樣的消遣難以取代對自身真實情況的反思。即使電影中的情節吸引了無數觀眾，真實世界中卻缺乏一種真正的共鳴，而這就是現今戲劇與文學創作的難點。

我們選擇生活的方式，最終是被如教育、家庭和媒體這些制度化的因素深刻影響。我常常思考個體在社會中所承擔的角色，感受到自我失敗的同時，也在努力尋找未來的可能性。這是一種痛苦的孤獨，因為即使是一個人，若缺乏強大的自我意識，亦很難在選擇的路上覺得快樂。「選擇」對於每一個人而言，最關鍵的問題在於他們是否有勇氣去面對自我的選擇。有時候，知道真實的情況和面對它，或許比單純的選擇更為重要。只有當我們開始真正面對自身的選擇，才能在這個充滿不確定性的世界中尋找屬於自己的道路。

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後記

林奕華以《我在那時錯過了你》的成功嘗試，展現了劇場與觀眾之間的另一種互動模式，並引入了對於選擇及時間的深入探討。他的展演挑戰了傳統的表演形式，激勵著觀眾主動探索劇中反映的現實問題。這一作品的價值在於其探討了當代社會的複雜性，並鼓勵觀眾在混亂中尋找自身的意義。通过這樣的方式，林奕華會繼續推動劇場藝術的邊界，打造一個充滿可能性的未來。

@eldthk @hodim_hk

《我在那時錯過了你》

• 根據Nick Payne 劇作Constellations 發展而成
  5場與林奕華相約的講述展演
  Constellations by Nick Payne (work-in-progress)
• 5 Lecture Performances by Edward Lam

荃灣大會堂展覽館
2025.5.1-5（四至一）＆ 5.8-11（四至日）

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Special Thanks
林奕華 Edward Lam

非常林奕華

#本土 #掂 #藝術 #好掂 #hodim #art #我在那時錯過了你 #Constellations #NickPayne #路嘉欣 #王宏元 #黃人傑 #梁祝的一年 #番外篇 #你願意和我做同學嗎

序/

台灣雕塑家李光裕的作品如同一股清新的風，贈予人們片刻的寧靜與思考。他常被譽為「詩人」，作品中的「鏤空」技法深受佛學「空、有」概念影響，展現了他對物我兩忘的追求，為觀者提供了一個反思自我、探討生命意義的空間。李光裕在香港展出其多件作品，這些作品不僅融合東方哲學與美學，也體現了他對西方現代藝術的熱愛，形成了獨特的視野與風格。

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「雕塑藝術」對你自身的意義是什麼?

「雕塑虛空」/台灣雕塑家李光裕(以下簡稱「李」)

李: 雕塑藝術的意義不僅在於其物質的存在，更在於其所表達的人性張力與情感共鳴。「雕塑」本身是一個物件，但當我們將其稱作「雕塑藝術」時，這便意味著它能夠引起每一位觀者內心深處的特殊感受與啟發。每當人們走進美術館，觀看藝術品或聆聽音樂會，都能獲得某種無限的歡樂和驚喜。正如在日常生活中，我們因為一場音樂會而感受到生命中的美感，一個小小的驚訝能夠使疲憊的生活變得不再單調。就像我今次來香港品嚐到的豬肺煮杏仁湯，這樣的獨特搭配讓我感受到香港美食文化的驚奇，讓我享受到藝術與生活中的愉悅。

我們的情感，無論是喜、怒、哀、樂，都是彼此交織的。一味追求快樂，往往會讓人生變得貧乏。隨著科技的進步，我們的生活被速度與效率所驅動，使得人性逐漸被淡化。我們面對的，是越來越多的瞬息萬變，而非靜思的時刻。然而，時常靜下心來，參加一場音樂會，能讓我們重新找回人性的感知。藝術在這個快節奏的都市生活中變得不可或缺，它讓我們有機會去聆聽、去反思。

我的雕塑創作同樣充滿矛盾與尷尬，這是我想要表達的——生活的苦澀來自於人性的矛盾。即便是快樂都可能伴隨著後遺症，只有在痛苦與快樂的間隙中，我們才能更深刻地理解人生的意義。所有的經驗，無論好壞，都是在啟迪我們的智慧，使我們成為精神上的強者。因此，藝術的價值便在於它能夠引導我們反思，讓我們的靈魂在每一次的體驗裡，更加豐富而深刻。

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老師可以介紹一下今次展出作品有什麼特色嗎?

李: 在這次的展出中，我希望觀眾能夠在進入這個富含藝術、歷史與自然元素的空間時，感受到一種引導感。我將我的人間經驗與作品連接起來，采用鏤空的技法，旨在打破世俗的封閉與束縛。人們常常因為思想或概念而受限，而這些思想和概念既是成就，也是絆腳石。我引入融合的理念，希望觀眾在我的作品中找到一個沒有「後遺症」的交集，乃至於於「有」中見到「空」的狀態。

我展示着「空」與「有」這兩者之間的平衡。就像中國的花窗設計，它們讓封閉的牆壁透露出另一種空間。我希望觀眾能夠透過這些作品，從不同的角度看待世界，體會在「有」的存在中如何自由地接納「空」。我的雕刻講述如何在限制中找到「空」的真正意義，進而獲得解脫。

「空」與「有」並非孤立的概念，而是相互依存的。我在創作「有」的時候，自然會留有「空」的部分;而在著重於「空」的留白時，也必然展現出「有」的筆觸。這正如中國書法的美學，每一筆墨跡、每一張紙都是簡潔的元素，卻能夠交織出和諧的整體。

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作品在香港展出，對你自己有什麼感覺?

李: 香港經歷了多重身份的塑造，既承載著豐富的歷史，也擁有現代的活力，而我的作品把我對中國文化的情感與當代社會意識結合起來。我們的文化背後有著深厚的歷史智慧，這與西方文化存在著本質上的差異。我在這個時代感受到，一方面是生活的繁雜與壓力，另一方面卻也有一種對平靜的渴望。這樣的矛盾讓我深刻思考如何將自己的內心從痛苦中解脫出來，養成智慧與心智的平衡。

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老師的作品跟大自然很有關連的原因是什麼?

李: 作品與大自然息息相關是一種對生活的真摯願望。在現代都市生活中，我們身處於高樓大廈和鋼筋水泥之間，這樣的環境讓我們不由得渴望自然的存在。相比之下，亞洲協會可以說是一片世外桃源，擁有壯麗的山水和茂密的樹林，這樣的景觀讓人心情得以放鬆。我一直認為，人需要大自然的調和。人類的心靈渴望與自然的連結，所以我希望在大自然中融入人工的美感，這種融合是我人生經驗與情感的投射。

中國有一句古語「外師造化，中得心源」，就是說我們無論身處都市還是廣袤的草原，我們都能夠通過觀察自然和社會，從中獲得智慧和靈感。然而，現代人的創造力，似乎在社會脈動的影響下，變得愈加缺乏對自然的理解。當今社會快速的變遷，使得我們往往忽略了自然的重要性，而只關注物質的追求。

在我的意識中，雖然我扎根於現代，但我的藝術底子卻像北京的故宮一般深厚。而我所創作的，正是希望將這些歷史智慧與當前社會需求相結合，創造出一種具有當代意義的藝術作品。我感到非常榮幸有機會將這些思考分享給香港的觀眾。

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眾多作品中，比較早期的作品到現在的「寶瓶」，在創作的過程當中，老師對作品的想法有沒有很大的改變，還是一直以來都是順從同一個主題/同一個想法?

李: 我的思維猶如一個不斷深入的漏斗，這個過程由早期的作品一直延續到如今的「寶瓶」。我的創作理念並不僅限於表面主題的改變，而是透過每一個階段對深度和品質的追求，使得我在同一個主題下，探索出豐富而獨特的內涵。

談到思維的方式，一種是橫向的廣度思考，另一種則是微觀的垂直思考。在這兩者之間，我選擇了深入的垂直思考。這意味著，許多看似相同的題材，例如「手」或是一朵花，在我眼中都有其獨特的變化和深刻的意義。舉例來說，我所創作的「手」這個題材，無論是在20年前、10年前還是現在，雖然表面看來都只是「手」，但卻揭示出「手非手」的理念，每一個時期的創作都具有不同的深度與意義。

我特別喜愛雕刻「手」，因為我認為世界文明的創造源於雙手的努力。然而，手在創作的過程中，也同時體現了虛空的特性。因此，我在作品中進行挖洞的技術，像是做花窗的形式，讓作品不再是單面的，而是形成了一個有兩面性的通透結構。在這個創作理念中，彼岸與此岸的界限被模糊化，仿佛透過一個洞就能將兩者連結起來，讓我思考你與我之間的關係。在整個宇宙中，我們是緊密相連的，這一點不僅在我的作品中，也在我的哲學思考中體現出來。

彼岸與此岸的關聯在我的藝術創作中，形成了我對於藝術的一種根本理解。每一件作品所傳遞的哲學意義，都是我對於這個關聯的探討。我的義理始終是這一切創作過程的基礎。理解了這些義理後，我便能在實踐中依照這些原則，並在情感上達成一種無障礙的表達。最終，我希望我的作品能夠引導人們走向所謂的「解脫自由」，這是我創作的終極目的。

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顏色的部分，為什麼雕塑會選擇這樣的顏色?

李: 對於顏色的選擇，當我碰到作品時，直覺告訴我，某種顏色會是最佳的選擇，這是一種瞬間的感受。我不會將某一種顏色視為絕對的最好，在每一個不同的階段、不同的時空，我可能會發現某一顏色在那一刻是最能表達我的心聲。

以今次的藍色為例，當我在某一瞬間感受到它的美，我便會毫不猶豫地選擇它。這是我對當下情境的誠意與良心的展現。然而，這種選擇並沒有固定的標準，也不是永恆不變的。我不想預設未來該選擇什麼顏色，只想把握當下的感覺。這種思維可視為一種「天心」的互動。所謂「天心」正是我在創作時所依賴的一種內心的指引，它讓我在瞬息萬變的藝術世界中，找到了一條屬於自己的道路。

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後記

在與李光裕的專訪中，他分享了雕塑藝術對自己內心世界的映射，及其在自然中尋求靈感的過程。每一件作品都仿佛是一個引人深思的心靈之窗，讓觀眾在虛實無常之間感受人生的深邃與美好。期望在這次展出中，觀眾能在忙碌生活中找到一絲平靜與啟發。透過藝術，李光裕傳遞出對生命的理解，讓「空」與「有」的哲學在當代文化中得到穿透與新生。

@asiasocietyhk @hodim_hk

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「李光裕 — 雕塑虛空｜亞洲協會香港中心 X 李光裕」
日期：2025年3月20日至12月14日
地點：亞洲協會香港中心（香港金鐘正義道九號）

Special Thanks
李光裕老師
亞洲協會香港中心

#本土 #掂 #藝術 #好掂 #hodim #art#sculpture #nature #leekuangyu #李光裕 #台灣雕塑家 #亞洲協會香港中心

序/

在當代藝術的舞台上，踢開傳統框架，將不同藝術形式相結合，已成為一種全新探索的可能性。由日本舞蹈家島地保武與饒舌音樂家環ROY合作呈現的《ARIKA》，正是一個打破界限的典範。這部作品不僅融合了當代舞、饒舌音樂和文字，還深入探討了人類文明中舞蹈、音樂及語言的起源，試圖揭示它們之間的深厚聯繫。作品中的即興表演元素更讓觀眾成為這場藝術實驗的參與者，挑戰他們的感知和思維。

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有關《ARIKA》的概念和起源是怎樣開始?

尋溯《ARIKA》(之去向):當代舞 x 饒舌音樂x文字的前衛實驗 / 導演、編舞、演出 – 島地保武 & 導演、作曲、演出 – 環ROY(以下簡稱「島地」、「環」)

島地: 在創作《ARIKA》的過程中，我深刻地考量了這個標題所承載的意義。正如其名，《ARIKA》不僅僅是一個字，更是一個語境，包含了「起源」與「所在」。這個概念的形成可以追溯到我對身體的探索，尤其是如何通過當前的身體去尋找我們的起始和未來的方向。

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可否分享雙方合作《ARIKA》的契機?

島地: 我們是透過共同的朋友而結識的，這位朋友的介紹讓我有機會接觸到對方的工作及風格。在與他相處的過程中，我深刻感受到他言行舉止的獨特之處。他的思維方式與創作理念的獨特性激起了我強烈的創作欲望。當我意識到我們之間有潛在的合作空間時，我決定主動邀請他一起進行創作。

環: 在2013年，我第一次與島地先生建立聯繫，是因為島地先生在發表altneu的新作時，透過共同的朋友介紹給我。隨著交流的深入，我們對彼此的藝術表達方式產生了強烈的興趣，並開始探索跨越不同藝術領域的對話可能性。島地先生的形體表現與我在語言及音樂上的處理手法交織在一起，讓我堅信我們可以共同創造出全新的作品。我們的合作，正是建立在這種共同探索的基礎上。

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自己怎樣理解舞蹈、音樂和文字之間的關係?

島地: 在我的理解中，舞蹈、音樂和文字這三者的起源其實是相同的。從最初的表達形式來看，它們都源於人類對情感和思想的探索。當我思考這個問題時，我會想到吟遊詩人這一形象，因為他們代表了古老而原始的創作形態，將音樂、詩詞和動作融為一體，傳遞著情感和故事。

環: 在我看來，舞蹈、音樂和文字都是一種交流方式。只是隨著時間的推移，這三者似乎逐漸獨立、專注於各自的範疇。然而，從根本上來說，所有的表達方式都是为了傳達情感和思想，這是作為生物的基本行動原理。特別是在欣賞島地先生的肢體表達時，我逐漸意識到，言語的表達往往無法完美傳遞所有的資訊，有些微妙的情感會在言語中流失。事實上，當語言過於具體時，它有時會令人感到幼稚，這使得它在某些場合下顯得不夠恰當。而音樂是一種更加開放的表達形式。從20世紀的視角來看，當我們意識到某種聲音或節奏並開始「聽」的那一瞬間，它就已經化為音樂。

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在作品中如何連繫這個主題?

島地: 作品中的即興性、諷刺社會和喜劇元素都能夠傳達主題中的訊息。

 

 

 

 

 

 

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作為專業舞蹈創作人和音樂創作人，將其他表演/藝術元素加入舞蹈創作中，有沒有為你帶來啓發?

島地: 有的。

環: 我的音樂創作確實受到其他表演和藝術元素的啟發。這些元素讓我對身體表現和視覺表現有了更深層的認識。例如，在參加岡田利規先生的戲劇中，我有機會將長達12分鐘的台詞透過音樂和rap的方式進行表達。

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作品中其中有一個好重要嘅元素，就係需要觀眾在表演中一起探索，你預期上最希望他們體驗到怎樣的效果?

島地: 首先，我期待觀眾想要與我們一同動起來、一起rap。這種互動能夠增強觀眾的參與感，感受到音樂和節奏所帶來的能量。其次，我也希望觀眾在觀看過程中，能夠隨著畫面的變化而思考，並在自己的腦海中構建出屬於各自的故事，使得他們與表演中的情節產生不同的聯結。

環: 我最希望觀眾體驗到的效果，是能夠感受到那種即興帶來的獨特瞬間。當我們在舞台上即興創作時，關係性和能量只有在那一刻才能夠孕生，這是一種特別的交流。即興創作的本質在於與當下的時間和空間建立深厚的聯結。我期待觀眾能夠融入這種臨場感，感受到那股從未有過的刺激與興奮。如果他們能與我分享這種隨瞬而生的感受，我會很高興。

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今次舞台設計的特色，以及怎樣配合今次表演項目想要呈現的效果?

島地: 舞台的設計如同一個環形擂台，這種形狀不僅讓觀眾感受到一種無法逃避的對峙效果。此外，我們在中央設置了一座橋樑，這座橋樑充當了我們表演中的交流象徵，象徵著表演者之間的連結與互動。

環: 在《AKIRA》的舞台設計中，我們選擇了一個抽象性的空間，希望觀眾能夠擺脫特定的地點或時間的束縛。為觀眾提供充分的想象空間，讓每位觀眾都能以自己的方式去解讀和體驗這部作品。

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一方作為舞蹈的主導，另一方在音樂的主導，怎樣互相配合兩方的意見?

島地: 在我們的合作中，我們各自負責不同的領域，一方主導舞蹈，另一方則主導音樂。作為舞蹈的主導者，我的角色主要是負責空間的演出和動作，而音樂方面則由環先生來掌控。然而，隨著排練和正式演出的推進，彼此之間的合作不僅融合了各自的專業技能，更是深度地互相感染，形成了一種獨特的創作氛圍。

環: 在這個過程中，對話成為了我們相互理解和創造的基石。有時，我們會通過玩一邊玩接球遊戲一邊進行Contact Improvisation，我們發現音樂與舞蹈之間的共振。透過不斷的對話，我們能夠精確理解各自的意圖與需求，從而達到更順暢的配合。

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在整個表演上，「文字」作為怎樣的角色去和應整個演出?

島地: 語言是一種便利的溝通工具，它透過不同的組合，可以轉化為卓越的詩篇，跨越時空的界限，使人與人之間産生共鳴。

環: 語言是靈感的源泉。當我在創作過程中，不時地撼動語言的定義，文字便從具體的意義中脫離出來，轉變為純粹的聲響。這樣的過程使我得以在有意義與無意義的邊界上探索，創造一個獨特的即興表演。

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首次在香港大館表演作品，對你們來說是一個怎樣的體驗?

島地: 我很興奮!

環: 香港這個城市擁有東西文化融合的獨特活力，而大館作為一個歷史悠久的場所，同時又是一個現代藝術的發信地，我深感榮幸能在這樣的重要空間重演我的作品。

 

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可否用幾句簡短的說話去形容「表演藝術」對自己來說是一件怎樣的事情?

島地: 過去的作品在現在復活、人們聚集起來、靈魂也聚集起來、境界。

環: 不浮華，純粹的肉身表現。

 

 

 

 

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後記

透過《ARIKA》，島地和環不僅展現了各自的藝術才華，更透過互動和融合，探索了當代表演藝術的本質。在訪談中，他們強調了合作的契機及相互影響，並表達了對在香港大館表演的期待。這場前衛的藝術實驗，無疑為觀眾帶來了一次難忘的藝術體驗，使得這對藝術家與觀眾的對話，成為當代文化交流的一部分。

@taikwun.hk @yasutakeshimaji @tamaki_roy @hodim_hk

Special Thanks
尋溯《ARIKA》（之去向）：當代舞 x 饒舌音樂x文字的前衛實驗 / 導演、編舞、演出 – 島地保武 & 導演、作曲、演出 – 環ROY
SPOTLIGHT大館表演藝術季

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