序/
在當前多元文化的背景下，劇場藝術正在尋求新的表達形式及與觀眾互動的可能性。林奕華(Edward Lam)導演的新作《我在那時錯過了你》體現了這一趨勢。作為一位以實驗和創新著稱的導演，林奕華這次特別選擇「Lecture Performance」的呈現方式，將臨場的互動融入演出中，激發觀眾的思考與參與。他希望通過這樣的形式，引導觀眾去探索劇本所蘊含的深層意義，促使觀眾對於選擇、時間和人際關係等議題進行反思。
「我在那時錯過了你」的構思起源是怎樣開始?同時跟梁祝的一年這個計劃有着甚麼的關連?
《我在那時錯過了你》導演、演出 – 林奕華 Edward Lam(以下簡稱「Edward 」)
Edward: 這部作品的初衷主要源自於檢視演員、劇本及空間三者之間的密切關係。過去十年，我與王宏元和路嘉欣的合作經驗使我對他們的表現深感熟悉，然而，在話劇形式上卻少有接觸。於是，我開始思考，如果我們能把這些傳統演員帶入一份專為話劇設計的劇本中，他們又會展現出怎樣的才華與不同的演出體驗呢?
去年進行的《A.I.時代與梁祝的繼承者們》在劇本的尾聲，美術館的表演中，兩位演員所展現的交流令我感受到某種延續的可能性，我想看看這兩位演員在更完整與集中的篇幅中進行交流。恰巧我看到英國國家劇院正在製作《Constellations》，這部戲僅由兩名演員構成，且情節圍繞他們之間的互動。我問了兩位演員對這部戲的看法，他們都表示有興趣。女主角的某些特質與路嘉欣相似，而男主角則與王宏元有相似之處，這就讓我看到了將劇本和演員之間的連結。
再者去年十一月，我與台中歌劇院展開了一個計劃，旨在培養觀眾。這並不是僅僅在台中進行的思考，而是我在香港一直都在推動的一個課題。當今的劇場經常強調觀眾對演員的認同和喜愛，但對我而言，創作的過程往往應該是一個冒險。我不斷探索著，不滿足於僅僅重複熟悉的事物，而是渴望在未知中尋找可能性的創新。台中作為一個場地比香港更有建築特色，他們很慷慨地給我們一個星期的時間，隨意用那個地方，所以我就把三樣東西結合在一起。把一個大家未必熟悉的劇本，帶兩個演員進去，觀眾隨時都可以進來這個場地，然後看到我們怎樣談劇本，看到我們怎樣了解這部戲，再嘗試找一種表演形式。這是我們第一階段的演出，名為《台中台·戲中戲》。我們不僅僅是排戲，我們試圖與觀眾進行互動，讓他們能夠了解到我們正在講述一個什麼樣的故事。正如我所想，觀眾來到現場時，我們調整了排練的方式，甚至讓他們直接參與到劇本的閱讀和討論中。這樣的設置使得我們的觀眾無論背景如何，都能有機會了解到這部作品。
隨著時間的推移，今年三月進行了第二次表演。在這一階段，我選擇不重複之前的模式，而是直接進入了完整的演出。透過利用場地的特點，安排觀眾的座位，觀眾能夠從不同的角度欣賞到這部作品的魅力。我總是拿這種空間比喻成一顆蘋果切開了兩半之後，觀眾藉由五場不同的視點把整個蘋果都品味到，每場互動都在不斷切換觀眾的視線，讓他們的視野同時交織出不同的觀感與反思。
因此，《我在那時錯過了你》這個作品，實際上是三個方面的交織——演員、劇本以及空間。它們在這個獨特的過程中交融，彼此影響，籠罩著整個演出，旨在讓所有觀看的觀眾，不論他們的背景如何，皆能感受到這個劇本和演出。無論在香港還是台中，我想這個作品的生命力，是可以隨著不同空間和不同觀眾的交流而不斷延伸的。
今次用了「Lecture Performance」這個手法去呈現，在整個佈局或者當中技巧上的特色是甚麽?而你與演員在準備的過程中跟以往有甚麼不同?
Edward: 我覺得這是培育觀眾的一個形式。作為導演，我會在演員演出時隨時介入，這樣的介入不是事先編寫好的劇本，而是一種即興的反應。當演員演完一場後，我會根據觀眾當時的反應，簡單介紹下一場的內容。我的串場像是在美術館觀賞藝術品的過程有個導賞帶領，觀眾隨時都有新的觀感和想法浮現。因此，這種方式讓觀眾並非僅僅坐在鏡框式的舞台前靜靜地觀賞，而是成為了整個舞台改變過程中的一部分。
這部戲還有一個階段就是聊天節，在香港大學的即興彩排中，參加的學生們能夠拿到一頁劇本或分到角色，然後可以跟演員演對手戲，這對演員而言是一種全新的體驗。他們以往只有在排練完畢後才能獲知觀眾的反應，但這次他們卻是在觀眾的實時反應下進行演出，變相令演員可以與這部戲在有觀眾的情況下一同成長，令他們在處理上變得容易。對我來說，「實驗」不應該和「困難」相聯繫。每個實驗都是一個自由探索的過程，我們並不能確保每個想法都能夠實現，但每一個步驟都是在幫助我們去進入下一個階段，所以過程中我們並沒有遇到障礙或者忽然間覺得這件事做不下去。
值得一提的是，參與的三位演員都有著豐富的經驗和想法，他們能夠適應這樣的合作模式。所選擇的劇本本身也具有極強的實驗性，因為它是一個後設式的一個編寫方式，要求觀眾看每個場景的同時對自己的想法做些實驗。即使每場戲看似相似，我們依然能通過更替的時空設定來挑戰觀眾的接受能力。
故事本身的設定是兩個截然不同背景的人要如何去處理多維的敍事與溝通，當中的內容設定有沒有特別的想法?
Edward: 我看到不同的人排這齣戲，他們都會比較著重演員的表現。我反而覺得我更加著重空間，我們在不同的地點演出，在荃灣和台中的表現都突破了以往的舞台設限。北京的導演 – 王翀，他做這齣戲用了一個很大的屏幕，然後用很多鏡頭圍著兩個演員，每場戲大致分布了各個鏡頭，然後記錄所有走位，每一場都可以視作攝影機拍攝下的一幕幕電影。而我的做法也有用現場的鏡頭去記錄，再配合我剛才所說將空間切開兩邊，其中一晚演員在沒有座椅、沒有觀眾席的一邊演戲，利用現場的鏡頭記錄演員的每一個動作，並將投影到另一邊觀眾面前。觀眾選擇是觀看演出，還是觀看投影，但兩邊都是同事在發生。
我們在製造各種對平衡宇宙的演繹，你明晚來看，我把所有演員換掉，但他們說着同一樣的台詞，令你有種似曾相識的感覺。後晚再來看，我用三個人去演繹兩個人的角色。我將所有空間放寬，觀眾可以隨意選擇座位，或者我限定觀眾的座位。這些做法都是演繹着其實在這個空間並不只有一個「我們」，而是有很多「我們」在同一個時空、同一個宇宙存在着。
這是我第二個做的翻譯劇本，它所包含的空間可以讓人不斷探索，發現更多以往未曾察覺的細節。有另一個很多人都喜歡，關於一宗性侵案件的劇本，在英國國家劇院都有製作，香港叫做《完美證供》，我覺得他們在時間的處理手法上是很不同的，因為這部戲的結局並不是會令看完的觀眾能夠找到自己的立場或者態度，而是在這部戲中，每個角色在那一刻都可以做不同的決定，而觀眾就要去想像那一個才是所謂的「真實」。結局並沒有給予答案「什麼是真實?」但這亦是一個不需要有答案的問題。觀眾帶着「什麼是真實?」的意識融入在生活裏面，比起一個有答案的結局反而會更好，因為我們可以針對着不同的事情去提出疑問，而並不是用同一個標準答案套用在不同的事情裏面。
對觀眾而言，這個作品最值得要感受的是哪一個部份?
Edward: 正如我在《完美證供》及其結局中所反映的那樣，一部戲結局不是告訴我們一種希望的概念，更多的是指引觀眾思考他們在觀賞過程中所經歷的情感與反應。事實上，對於我來說，這個問題所引發的思考，是我創作的核心所在。我一直最感興趣的是我們如何理解和看待事物。這種探索驅使我去反思自己在創作過程中的目的:為什麼要製作這部作品?我希望這部作品能傳達什麼?形式的選擇在其中是一個關鍵元素，因為它決定了作品與觀眾之間的互動模式，不同的形式會引發觀眾截然不同的感受。
譬如聊天節，觀眾的角色就會隨著時間而變化。他們可能在某個下午來聆聽我講述一個故事，接著再觀看他們的排練，最後參與與主持人的對話。這三個環節雖然都涉及觀眾坐在椅子上，但每個環節所構建的體驗卻完全不同，這正是我希望探索的「看」與「被看」的多重關係。
我這幾天都在回想，因為我上星期自己回看《艱辛歲月》，我才知道它說什麼。這部劇是我做的，但在創作時，我其實並沒有刻意去思考生活的碎片性。直到最近再度回顧這部作品，我才意識到它所表現的就是人們的日常生活是如何被分解為一個又一個短暫的瞬間。這種碎片化的處理，讓我產生強烈的感受，我們的生活實際上都在交織著不同的視角與關聯。我忽然覺得整件事有第二種合理性或者第二種影響，讓我思考到作品本身並不是單純的訊息傳遞，而是一種內在的感受，會對人造成改變。
所以現在要做這個《我在那時錯過了你》，我渴望我的作品能夠給觀眾帶來積極的感受，但這不是一個口號，亦不是一個宣言，它更關乎於觀眾自身的內在轉化與覺知。作為觀眾，他可能進來就會經歷一樣東西，我們可以好好聊天，好好地了解這部戲到底是關於什麼?為什麼這樣做?我希望在這部戲有這樣的空間。我想用我自己出來講一個故事，創作本身就是一個故事，而且我創作四十年，我希望這四十年的故事對現在年輕做創作的人有些幫助。
可否用一兩句簡短的說話去形容「選擇」這個命題是一件怎樣的事情?
Edward: 我們對於未來的把握程度越來越低，與十年前、二十年前相比，人們危機感增加使得在做出選擇時更加謹慎，隨之而來的則是缺乏安全感。這種現象背後的原因，在於我們所處的環境越來越被動和極端化。早期只有少數人能運用電腦，現在幾乎每個人都在利用這項工具。然而，使用者的主動性與被動性卻呈現出一種反差，越來越多的人在使用科技的同時，也在不知不覺中失去了對自身選擇的控制感。我認為電腦是一種意識形態的具現。它不僅僅是一項技術，更是一個塑造人們思維與行為的強大工具。在這個過程中，擅長使用這些科技的人往往成為權力的掌控者，而大多數人卻逐漸被動化。這樣的現象使得人們難以去思考與創造，常常依賴外部的刺激與引導，面對許多生活中的必然選擇，他們往往感到自己無法真正做出自主決策。
如果把這個主題推到極端，會發現那些真正自由的人，往往是選擇不去使用科技的。因此，這告訴我們，所謂的選擇，其實是在強烈的社會環境壓力下所產生的「假選擇」。面對這種情況，許多人無法真正做出自我意識的選擇，反而選擇了自我安慰的「假如」，即便這些想像並不具備實際意義。心理學上所提到的補償行為，在現今的文學、電影和其他娛樂產品中愈發明顯。人們在逃避現實的過程中，將焦點放在虛構的內容上，試圖尋找慰藉，但事實上，這樣的消遣難以取代對自身真實情況的反思。即使電影中的情節吸引了無數觀眾，真實世界中卻缺乏一種真正的共鳴，而這就是現今戲劇與文學創作的難點。
我們選擇生活的方式，最終是被如教育、家庭和媒體這些制度化的因素深刻影響。我常常思考個體在社會中所承擔的角色，感受到自我失敗的同時，也在努力尋找未來的可能性。這是一種痛苦的孤獨，因為即使是一個人，若缺乏強大的自我意識，亦很難在選擇的路上覺得快樂。「選擇」對於每一個人而言，最關鍵的問題在於他們是否有勇氣去面對自我的選擇。有時候，知道真實的情況和面對它，或許比單純的選擇更為重要。只有當我們開始真正面對自身的選擇，才能在這個充滿不確定性的世界中尋找屬於自己的道路。
後記
林奕華以《我在那時錯過了你》的成功嘗試，展現了劇場與觀眾之間的另一種互動模式，並引入了對於選擇及時間的深入探討。他的展演挑戰了傳統的表演形式，激勵著觀眾主動探索劇中反映的現實問題。這一作品的價值在於其探討了當代社會的複雜性，並鼓勵觀眾在混亂中尋找自身的意義。通过這樣的方式，林奕華會繼續推動劇場藝術的邊界，打造一個充滿可能性的未來。
《我在那時錯過了你》
- 根據Nick Payne 劇作Constellations 發展而成
5場與林奕華相約的講述展演
Constellations by Nick Payne (work-in-progress) - 5 Lecture Performances by Edward Lam
荃灣大會堂展覽館
2025.5.1-5（四至一）＆ 5.8-11（四至日）
Special Thanks
林奕華 Edward Lam
非常林奕華
#本土 #掂 #藝術 #好掂 #hodim #art #我在那時錯過了你 #Constellations #NickPayne #路嘉欣 #王宏元 #黃人傑 #梁祝的一年 #番外篇 #你願意和我做同學嗎
台灣雕塑家李光裕的作品如同一股清新的風，贈予人們片刻的寧靜與思考。他常被譽為「詩人」，作品中的「鏤空」技法深受佛學「空、有」概念影響，展現了他對物我兩忘的追求，為觀者提供了一個反思自我、探討生命意義的空間。李光裕在香港展出其多件作品，這些作品不僅融合東方哲學與美學，也體現了他對西方現代藝術的熱愛，形成了獨特的視野與風格。
李: 雕塑藝術的意義不僅在於其物質的存在，更在於其所表達的人性張力與情感共鳴。「雕塑」本身是一個物件，但當我們將其稱作「雕塑藝術」時，這便意味著它能夠引起每一位觀者內心深處的特殊感受與啟發。每當人們走進美術館，觀看藝術品或聆聽音樂會，都能獲得某種無限的歡樂和驚喜。正如在日常生活中，我們因為一場音樂會而感受到生命中的美感，一個小小的驚訝能夠使疲憊的生活變得不再單調。就像我今次來香港品嚐到的豬肺煮杏仁湯，這樣的獨特搭配讓我感受到香港美食文化的驚奇，讓我享受到藝術與生活中的愉悅。
李: 在這次的展出中，我希望觀眾能夠在進入這個富含藝術、歷史與自然元素的空間時，感受到一種引導感。我將我的人間經驗與作品連接起來，采用鏤空的技法，旨在打破世俗的封閉與束縛。人們常常因為思想或概念而受限，而這些思想和概念既是成就，也是絆腳石。我引入融合的理念，希望觀眾在我的作品中找到一個沒有「後遺症」的交集，乃至於於「有」中見到「空」的狀態。
李: 香港經歷了多重身份的塑造，既承載著豐富的歷史，也擁有現代的活力，而我的作品把我對中國文化的情感與當代社會意識結合起來。我們的文化背後有著深厚的歷史智慧，這與西方文化存在著本質上的差異。我在這個時代感受到，一方面是生活的繁雜與壓力，另一方面卻也有一種對平靜的渴望。這樣的矛盾讓我深刻思考如何將自己的內心從痛苦中解脫出來，養成智慧與心智的平衡。
李: 作品與大自然息息相關是一種對生活的真摯願望。在現代都市生活中，我們身處於高樓大廈和鋼筋水泥之間，這樣的環境讓我們不由得渴望自然的存在。相比之下，亞洲協會可以說是一片世外桃源，擁有壯麗的山水和茂密的樹林，這樣的景觀讓人心情得以放鬆。我一直認為，人需要大自然的調和。人類的心靈渴望與自然的連結，所以我希望在大自然中融入人工的美感，這種融合是我人生經驗與情感的投射。
李: 我的思維猶如一個不斷深入的漏斗，這個過程由早期的作品一直延續到如今的「寶瓶」。我的創作理念並不僅限於表面主題的改變，而是透過每一個階段對深度和品質的追求，使得我在同一個主題下，探索出豐富而獨特的內涵。
李: 對於顏色的選擇，當我碰到作品時，直覺告訴我，某種顏色會是最佳的選擇，這是一種瞬間的感受。我不會將某一種顏色視為絕對的最好，在每一個不同的階段、不同的時空，我可能會發現某一顏色在那一刻是最能表達我的心聲。
在與李光裕的專訪中，他分享了雕塑藝術對自己內心世界的映射，及其在自然中尋求靈感的過程。每一件作品都仿佛是一個引人深思的心靈之窗，讓觀眾在虛實無常之間感受人生的深邃與美好。期望在這次展出中，觀眾能在忙碌生活中找到一絲平靜與啟發。透過藝術，李光裕傳遞出對生命的理解，讓「空」與「有」的哲學在當代文化中得到穿透與新生。
在當代藝術的舞台上，踢開傳統框架，將不同藝術形式相結合，已成為一種全新探索的可能性。由日本舞蹈家島地保武與饒舌音樂家環ROY合作呈現的《ARIKA》，正是一個打破界限的典範。這部作品不僅融合了當代舞、饒舌音樂和文字，還深入探討了人類文明中舞蹈、音樂及語言的起源，試圖揭示它們之間的深厚聯繫。作品中的即興表演元素更讓觀眾成為這場藝術實驗的參與者，挑戰他們的感知和思維。
尋溯《ARIKA》(之去向):當代舞 x 饒舌音樂x文字的前衛實驗 / 導演、編舞、演出 – 島地保武 & 導演、作曲、演出 – 環ROY(以下簡稱「島地」、「環」)
島地: 我們是透過共同的朋友而結識的，這位朋友的介紹讓我有機會接觸到對方的工作及風格。在與他相處的過程中，我深刻感受到他言行舉止的獨特之處。他的思維方式與創作理念的獨特性激起了我強烈的創作欲望。當我意識到我們之間有潛在的合作空間時，我決定主動邀請他一起進行創作。
島地: 在我的理解中，舞蹈、音樂和文字這三者的起源其實是相同的。從最初的表達形式來看，它們都源於人類對情感和思想的探索。當我思考這個問題時，我會想到吟遊詩人這一形象，因為他們代表了古老而原始的創作形態，將音樂、詩詞和動作融為一體，傳遞著情感和故事。
島地: 作品中的即興性、諷刺社會和喜劇元素都能夠傳達主題中的訊息。
島地: 有的。
島地: 首先，我期待觀眾想要與我們一同動起來、一起rap。這種互動能夠增強觀眾的參與感，感受到音樂和節奏所帶來的能量。其次，我也希望觀眾在觀看過程中，能夠隨著畫面的變化而思考，並在自己的腦海中構建出屬於各自的故事，使得他們與表演中的情節產生不同的聯結。
島地: 舞台的設計如同一個環形擂台，這種形狀不僅讓觀眾感受到一種無法逃避的對峙效果。此外，我們在中央設置了一座橋樑，這座橋樑充當了我們表演中的交流象徵，象徵著表演者之間的連結與互動。
島地: 在我們的合作中，我們各自負責不同的領域，一方主導舞蹈，另一方則主導音樂。作為舞蹈的主導者，我的角色主要是負責空間的演出和動作，而音樂方面則由環先生來掌控。然而，隨著排練和正式演出的推進，彼此之間的合作不僅融合了各自的專業技能，更是深度地互相感染，形成了一種獨特的創作氛圍。
島地: 語言是一種便利的溝通工具，它透過不同的組合，可以轉化為卓越的詩篇，跨越時空的界限，使人與人之間産生共鳴。
島地: 我很興奮!
島地: 過去的作品在現在復活、人們聚集起來、靈魂也聚集起來、境界。
透過《ARIKA》，島地和環不僅展現了各自的藝術才華，更透過互動和融合，探索了當代表演藝術的本質。在訪談中，他們強調了合作的契機及相互影響，並表達了對在香港大館表演的期待。這場前衛的藝術實驗，無疑為觀眾帶來了一次難忘的藝術體驗，使得這對藝術家與觀眾的對話，成為當代文化交流的一部分。
有些傳統手工藝仍在繁華的都市中靜靜流淌，承載著歷史與文化的印記。Hazel Lee和Nathan Wong是當今銅器工藝的新生代，他們在這片傳承與創新的氛圍中，創作出了一系列名為《無漾》的茶具，這是對傳統工藝的致敬，更是一次對現代設計理念的探索與實踐。從銅器工藝的歷史到他們與老一輩匠師的互動，Hazel與Nathan分享了其背後的故事與靈感，展現了豐富的人文內涵和藝術價值。
Hazel: 在2017年的聖誕節，我與Nathan首次接觸了銅器工藝設計。那時，我们一如往常地計劃了一些手工藝活動，打算製作一棵特別的聖誕樹。當我們完成樹身後，卻發現缺少一顆耀眼的星星作為點綴。出於對手工藝的熱愛，我們決定尋找創意解決方案，於是上網搜尋靈感，得知可以利用銅製作一顆星星。帶著好奇心，我們嘗試開始了摺星星的過程，結果出乎意料地成功。
Nathan: 師傅篩教導我們製作銅水煲的過程，讓我明白了其中蘊含的技法與精髓。師父告訴我們，銅水煲不僅是一個器具，更是一個能夠容納多種創意的基礎。因此，他選擇用銅水煲這個相對簡單的物品，來濃縮我們一個月的學習成果。在與師父的日常學習中，我逐漸體會到他的教誨不僅限於技術，更包括對傳統與禮數的尊重。每當我們試圖向他斟茶時，他總會堅持讓我們放下，表示他認為我們還未成為真正的徒弟。這份對責任的看重，讓我深刻理解到師父在教學中的用心。基於這些啟發，我們在創作過程中決定回應師父的教導，設計了一套中式茶具。我們希望表達對於傳承、技藝和文化的尊重。
Hazel: 由於我們之前一直以自學為主，通過上網搜尋和閱讀書籍來提升自己，但逐漸發現在技巧上陷入了瓶頸。幾年前，我們曾經嘗試拜陸師傅為師，卻被告知他已經準備退休。一開始，我感到失落，但這並沒有讓我放棄學習的願望。後來，通過一次與書法家華哥的合作，我們再次嘗試尋找陸師傅，最終在三度拜訪後，獲得了一個半月的學習機會。
Nathan: 我們特別選擇了銅作為茶具的主要材料，但因為銅具有着極強的傳熱性。在設計時，我們面臨一些挑戰，因此便諮詢了師傅的意見。這次互動中，最令人欣喜的是師傅對我們提問時展現出的熱情。他們不僅耐心聆聽我們的疑慮，更激發出創意的火花。例如，師傅建議我們查閱市面上的保溫杯，切開來仔細觀察其內部結構，從而找出最佳的解決方案。這一過程讓我明白，工藝師傅並非設計師，他們可能是在年幼時便隨父親學習打銅，並由此積累了豐富的實踐經驗。儘管缺乏系統的設計教育，這些師傅仍能透過自身的觀察與理解，對銅器的可能性進行重新詮釋。他們的創新思維和獨特視角，常常為我們的作品帶來意想不到的驚喜，讓我深刻體會到手工藝的魅力與可能性。
Nathan: 從我個人的觀察及學習中，可以清晰地看到，當今的銅器工藝已逐漸從傳統的實用性向藝術成分更高的方向發展。師傅在傳授技藝時，經常提到他們的師傅在學習過程中，強調製作具有實用功能的物件。過去，銅水煲和涼茶煲等日常用品是銅器的重要表現，但隨著科技的進步，許多新材料相繼出現，使得銅器在實用性上的競爭力降低。因此，我們希望透過重新研究銅工藝，並結合設計思維，創造出更多具有藝術感和現代意義的工藝品。透過與師傅技術的結合，我堅信銅器文化能夠在香港這片獨特的土壤上重新綻放光彩，成為一種既具實用性又不失藝術性的文化象徵。
Nathan: 最令我感到開心的是能夠目睹師傅製作工藝品的每一個細節。尤其在炳記銅器，我深刻體會到了一種難得的社區情感。每天都有不同的街坊走進舖頭，與師傅們攀談，這種互動讓我感受到人與人之間的親密與溫暖。自開舖以來，這些街坊與師傅之間的關係，逐漸從客人轉變為朋友，談及不同的話題，分享生活中的點滴，這一切與現代社會的疏離感形成了鮮明對比。在當今社會，人們常常感到彼此之間的距離越來越遠。我認為，老一輩的工藝師傅之所以寶貴，正是在於他們每天與街坊有著如此深入的交流。他們了解顧客的需求，亦能迅速為所需的工藝品修復提供解決方案。這種人際間的默契與理解，讓我看到了人情味在生活中的重要性和溫暖。
Nathan: 藝術創作是一種持續的個人修煉。透過這個過程，我不斷挑戰自己對美的界限，並反映我對完美的獨特理解。我努力確保每一個創作都有其獨立的靈魂，這種精神我在製作每件工藝品時都力求表現出來。我堅持不使用工廠式的生產方法，因為我想讓每個作品都具備其獨特的個性。對於我而言，這種個性是透過每一個工序逐步實現的。無論是繪製圖稿，還是親手製作，我都希望每一個細節都能反映出創作的用心。
Hazel和Nathan以他們對銅器工藝的熱情，映照出一種追求藝術的美好心境。透過《無漾》這套茶具，他們不僅成功地將傳統與現代融合，更向人們展示了工藝創作的靈魂。他們強調，創作過程中的每一步都不僅是技能的展現，更是心靈的修煉。在這樣的交流中，兩位工藝師的故事不僅延續了香港銅器工藝的血脈，更為未來的藝術創作注入了新的活力。真正的藝術，源於對生活的熱愛與對每一個細節的珍視。
在當前科技迅速進步的時代，藝術的呈現形式也迎來了前所未有的變革。跨媒體藝術家梁基爵(GayBird)在他的全新作品《人類開箱》中，巧妙地融合了裝置藝術、視覺影像和現場表演，挑戰了觀眾對現實與虛擬界限的認知。同時，作品所傳遞的深刻主題讓人反思當下的生活狀態，特別在這些紙皮箱中，既隱喻著人類的流浪與寄托，也展現了穩固與脆弱的共同體驗。在專訪中，GayBird分享了創作背後的思考過程和技術挑戰，探討了未來藝術的發展方向，鼓勵觀眾在互動中尋找共鳴。
GayBird: 《人類開箱》這個作品涵蓋了裝置、流動影像和聲音，旨在為觀眾提供各種不同的體驗與表演，還展示了新技術的運用。這個作品的概念起源於我受到大館的邀請，當時我希望創作一個能夠回應大館的作品。在構思過程中，我首先想到的是紙皮箱。這個元素正如大館的建築一樣，體現了穩固與脆弱的雙重性。大館的歷史建築讓我意識到，紙皮箱無論在功能上還是象徵意義上，都相似於我們當今時代的人類存在。它不僅承載著物品，還能承載記憶，無形中隱喻著流動與遷徙的狀態。同時，紙皮箱在某些時刻亦可成為人類暫時的庇護所，這使我更進一步思考當今社會中的人類經歷，最終將這些想法融合，發展出《人類開箱》的整體概念與表現形式。
GayBird: 在這次創作中，我們試圖以一個獨特的方式將觀眾與主題連結，藉由紙皮箱這一媒介來探索互動的體驗。這不僅僅是一個單純的展示，而是我們對觀眾與藝術之間關係的一次深刻探討。整個作品的呈現是在兩個大型場地內進行，分別是洗衣場石階和賽馬會立方。特別是在階梯劇場，我們用超過一千個紙皮箱搭建起一個高達兩三米的裝置，這個裝置不僅作為表演的核心，還借助虛擬影像產生互動，讓觀眾感受到身歷其境的參與感。
GayBird: 我認為最具挑戰性的部分便是如何有效地整合這些形式，這個過程帶來的困難與樂趣並存。最困難之處在於需要協調來自不同媒體和技術背景的創作者，大家各自擁有獨特的專長，為了共同的目標而努力創作。這並不是一個孤立的工作，必須關注每個人的進展和互動，才能讓最終的作品充滿生命力。我喜歡這樣的合作方式，因為多種聲音的交織使藝術作品更為豐富。
我在每部作品中，都嘗試尋找新的合作夥伴，特別是年輕的創作者。在最近的一個項目中，我們的團隊中有兩位年輕的女藝術家專注於遊戲引擎和互動視覺設計。她們的創意為我們的作品注入了新活力，並開發了多個互動元素，豐富了作品的呈現。
GayBird: 在我目前的創作過程中，確實感受到了一種新的啟發，尤其是這次的合作帶給我許多新的思考。我開始重新審視如何不僅依賴聲音來表達我的音樂理念，而是發現不同媒體的結合也能呈現出獨特的音樂性。我一直從事音樂和聲音的創作，但這次與影像的結合讓我有了不同的思考。我開始思考，音樂和影像之間應當如何互相支持，共同構成一個完整的表演。表演不只是一個簡單的過程，它成為了我作品的核心部分。
GayBird: 虛擬與現實的融合對我而言是一次全新的探索。特別是遊戲引擎的引入，為我的作品帶來了不同以往的創作靈感。例如，我在聲音設計上引入了一些新的元素，這些元素的產生無不受到遊戲引擎的影響。因此，我認為在這個領域還有很多潛力可以進一步開發。當代社會愈發投入在虛擬世界中，而這一現象正促使我在藝術創作中將虛擬與現實進一步結合。目前，將虛擬技術融入音樂表演或表演藝術的風格仍在初級階段。我發現市場上這方面的發展相對稀少，因此這讓我的作品成為了一個獨特的探索空間。觀眾在觀看我的表演時，可能對於我所使用的虛擬元素會感到陌生，這正是我所追求的藝術狀態。因為目前缺乏具體的參考案例，
GayBird: 對我而言，表演藝術是我用來表達自我的工具，更是我與他人連結的語言。當言語無法傳達內心的情感或者複雜的思想時，表演藝術便成為了我最直接、最有效的表達途徑。透過動作、音樂和肢體語言，我能夠將我內心深處的感受、故事和觀點傳遞給觀眾。觀眾不僅是在觀看一段表演，而是在體驗我的內心世界。
《人類開箱》是對人性與現代社會的深刻探討，透過藝術家對媒體的獨特詮釋，觀眾不僅能在現場感受藝術的力量，更被引導去思考自己在這虛實交錯的時代中所扮演的角色。未來，GayBird希望透過更多創新的表演形式，激發觀眾的好奇心，並推動藝術在科技時代的持續演變。
在藝術的世界中，傳統與現代之間的對話生成了無數的創作靈感。黃就成師傅(Master Wong )與女兒黃錦敏(Kammy Wong)以嶺南盆景為核心，展現了如何通過作品《脫衣換錦》、《歲月輪迴》、《香港·香港》和《轉化·不息》，將傳統工藝與當代視角相融合，真誠地表達出對生命、記憶和文化的深切思考。這不僅是對歷史的回顧，更是對未來的展望。
Master Wong: 我的故事開始於嶺南地區的一個農家，我出生在海珠區。我的家族以務農為生，父親主要種植蔬果，母親則負責花卉。而我，從小也跟著他們，開始接觸耕作。在那個艱辛的年代，家裡有六個兄妹，讓我面對著巨大的生活壓力，必須在年幼的十四歲便出來工作。
Master Wong: 嶺南盆景的創作理念深植於對自然的崇尚。我們始終相信，所有來自大自然的美景，都是我們創作的靈感來源。因此，嶺南盆景最重要的特點之一，就是在於它的自然美。
Master Wong: 我一直不知道女兒其實對盆景有著濃厚的興趣，但由於她的工作繁忙，一直無法親自去嘗試。回想起幼時，她在我整理盆景的時候，曾經拿著樹枝玩，甚至已經懂得如何分辨盆景的優劣。如今，當她主動提出想要成為我的徒弟時，我心中無比感動，隨即答應她:「你一直都是我的徒弟，只是未曾正式認可而已。」
Kammy: 這四件作品圍繞著時間、記憶和生命力之間的微妙關係。為了進行深入的資料蒐集，我不斷向爸爸詢問他在製作盆景時的往事和故事，同時也閱讀了大量與嶺南盆景相關的資料。我們還一起探討不同的美學和觀賞角度，這種互動讓我獲益良多。
Kammy: 在這次的創作過程中，對我而言，最大的挑戰在於如何有效地固定樹木於水中，以確保其在滾動的水中烹煮時不會翻動，從而保護其枝條不受損壞。
Master Wong: 對我來說，最深刻的作品是《香港 · 香港》。它的樹頭形狀猶如獅子山，這不僅是一個地標，更象徵著這片土地的歷史和文化。回顧過去，香港曾經是一個小漁港，如今卻已發展成為聞名於世的大都會。這一轉變是歷史的縮影，展現出香港人的堅韌與創造力。作品中所描繪的獅子山，正是我們共同經歷的地方和面孔，充滿了回憶與情感。
Kammy: 我覺得藝術創作對我來說，在傳統的基礎上大膽創新和用心演繹，這個就是我覺得我接下來的一生人都會做一件事情。
通過這次專訪，我們不僅得以窺見黃氏父女的藝術創作過程，還感受到他們對嶺南盆景深厚的情感及對文化傳承的堅持。黃就成師傅用一生的心血推動中國盆景藝術的發展，而黃錦敏則在此基礎上將當代設計理念融入其中，開創了一幅新的藝術畫卷。這一代代傳承和創新，不僅彰顯了香港的堅韌精神，更為未來的藝術之路奠定了堅實基礎。在這種共鳴之中，他們的故事將繼續激勵更多追求藝術的人，展現出文化的延續與生命的美好。
黎潤詩(Cecilia)與陳郁(Barnard)透過飄雅活藝的工藝交流計劃，踏上了尋找竹藤編織技藝的旅程。此行讓他們不僅在台灣的鄭浩祥老師那裡學習到了珍貴的技藝，亦在廣東興寧的堯記籐廠深入探索當地工藝的精髓。兩位創作者的合作，展示了工藝與藝術的交融，創作出兼具傳統與現代感的獨特作品，讓我們重新思考竹藤工藝在當代社會中的意義。
Cecilia: 作為一名從事訪織的創作者，我一直希望能夠從根本著手，探索這門工藝的深層意義。因此，我們的創作過程始於最基本的元素—布料和線。這種由下而上的創作理念，讓我們能夠嚐試各種編織方法，進而擴展到更廣泛的領域。我們不僅限於傳統的織布技術，還開始涉獵藤編和竹編等多種材料，這些創新啟發了我無限的想像空間。隨著對編織技術的深入研究，我發現它可以引領我進入不同的藝術領域。
Cecilia: 在我過去的學習時期，我專注於紡織及時裝設計，看似是個普通的設計路徑。然而，選擇了編織這一方向，卻讓我更深入地體會到背後隱藏的故事。但當我步入職場後，我的工作重心卻轉向了報導。我作為記者聆聽了許多品牌的故事，這些故事深深吸引著我，讓我開始反思設計的根源。我發現自己更傾向於探索那些故事，並將其融入到產品中。通過編織，我不僅在技藝上有所精進，還在創作中尋找到了與不同文化對話的契機。
Cecilia: 在此次COP活動中，我們有幸與堯記藤廠的師傅及鄭浩祥師傅進行了一次跨地域與世代的交流，這次經歷讓我獲得了寶貴的學習機會。我們與這兩位師傅的相識，最初源自於我們對傳統工藝的共同探索。在前往台灣時，我原本只是期望能探尋自然素材的應用，卻意外地與鄭師傅結下了緣分。我了解到，香港的藤編工藝，其實在歷史上輝煌一時，但隨著時代變遷，如今卻愈發式微。
郁: 在這次的作品創作過程中，我們有幸能夠親自走訪台東，並尋找鄭浩祥師傅學習藤編工藝。與鄭老師的交流讓我感到十分珍貴。第一次見面時，他努力與我們溝通，而我因為普通話水平有限，我感受到了他的耐心。他告訴我，自己的師父當年也是來自香港，這讓我感受到一種文化上的連結和責任感。
郁: 在香港的文化背景中，藤藝是一個不可或缺的美的元素。在經典的電影和古老的相片中，藤家俱經常出現，承載著那個年代的風情與記憶。這使我深刻感受到藤藝的文化價值需要被保存和傳承。為了更好地理解當前香港藤藝的狀態，我選擇了深入學習和實踐這項技藝。我相信，藉由創造一些新穎的產品，傳統的藤藝不僅可以成為一件商品，更可以作為藝術作品來欣
Cecilia: 我遇到了最大的困難就是在工藝學習和實踐之間的矛盾。我們平時接觸的工藝多是依循師傅所教授的固定流程，這些師傅們經常會告訴我們必須完全跟從他們的步驟，否則就無法達到標準。然而，在藤編這一領域，卻給了我截然不同的感受。這裡的師傅們多數都是所謂的「執生」，這意味著他們強調的不是嚴格按照固定的模式，而是要發揮創造性和靈活性。
Cecilia: 這兩張鳳尾椅標誌著我們旅程的起點，也象徵著我們的成長。然而，正如老師所言，當我們學會了那項技巧後，完成鳳尾椅的過程就等同於出師。這意味著，在獨立創作的過程中，面對的挑戰與機遇皆由自己去把握。特別是在創作《龍鳳滕飛》的過程中，我們花費的時間和心力，並不比這張「出師」的椅子少。這件作品讓我深刻感受到融入個人元素的重要性。過程中充滿了磨索與嘗試，正是這種探索精神使得我們能夠將所學的技術應用到創作中。
郁: 我們的團隊名為「Breakthrough Art」，這不僅是一個名稱，更是我們追求創新的信念。在掌握了編織技術後，我們渴望將其進一步演變。過去我們從事的編織技術大多是平面的創作，而我們現在的願望是探索立體編織的可能性，希望藉此突破傳統界限。未來，我們希望不僅限於編織，還可以探試其他工藝及素材的結合。我們的理念是，這些技藝不僅僅是工具或表達的手段，更是一種發聲的途徑。每當我們在創作時，心中都有許多未能表達的情感和故事。我們希望透過我們的作品，讓觀者感受到我們所傳達的豐富內涵。
郁: 我會形容是一個追求極致的旅程，裏面會品嘗到喜怒哀樂的風景，但最後我們會得到很多很美好的回憶。