序/
在當前科技迅速進步的時代，藝術的呈現形式也迎來了前所未有的變革。跨媒體藝術家梁基爵(GayBird)在他的全新作品《人類開箱》中，巧妙地融合了裝置藝術、視覺影像和現場表演，挑戰了觀眾對現實與虛擬界限的認知。同時，作品所傳遞的深刻主題讓人反思當下的生活狀態，特別在這些紙皮箱中，既隱喻著人類的流浪與寄托，也展現了穩固與脆弱的共同體驗。在專訪中，GayBird分享了創作背後的思考過程和技術挑戰，探討了未來藝術的發展方向，鼓勵觀眾在互動中尋找共鳴。
有關《人類開箱》的概念和起源是怎樣開始?
Fragile! Human Inside 《人類開箱》藝術及音樂總監、裝置及程式設計、現場演出 / 梁基爵 GayBird(以下簡稱「GayBird」)
GayBird: 《人類開箱》這個作品涵蓋了裝置、流動影像和聲音，旨在為觀眾提供各種不同的體驗與表演，還展示了新技術的運用。這個作品的概念起源於我受到大館的邀請，當時我希望創作一個能夠回應大館的作品。在構思過程中，我首先想到的是紙皮箱。這個元素正如大館的建築一樣，體現了穩固與脆弱的雙重性。大館的歷史建築讓我意識到，紙皮箱無論在功能上還是象徵意義上，都相似於我們當今時代的人類存在。它不僅承載著物品，還能承載記憶，無形中隱喻著流動與遷徙的狀態。同時，紙皮箱在某些時刻亦可成為人類暫時的庇護所，這使我更進一步思考當今社會中的人類經歷，最終將這些想法融合，發展出《人類開箱》的整體概念與表現形式。
在作品中如何連繫這個主題?
GayBird: 在這次創作中，我們試圖以一個獨特的方式將觀眾與主題連結，藉由紙皮箱這一媒介來探索互動的體驗。這不僅僅是一個單純的展示，而是我們對觀眾與藝術之間關係的一次深刻探討。整個作品的呈現是在兩個大型場地內進行，分別是洗衣場石階和賽馬會立方。特別是在階梯劇場，我們用超過一千個紙皮箱搭建起一個高達兩三米的裝置，這個裝置不僅作為表演的核心，還借助虛擬影像產生互動，讓觀眾感受到身歷其境的參與感。
影像技術在我們的作品中佔據了重要的地位。通過遊戲引擎的運用，我們創造出多樣化的虛擬場景和內容，這些視覺元素不僅豐富了表演的層次，也有助於傳達我們想要表達的深刻訊息。在這個設定中，觀眾既可以投身於遊戲世界，也能夠以觀察者的視角來理解這些概念。
這整個演出雖然不是一個全然互動性的演出，但卻設計了適度的觀眾參與元素。這些元素既有現場即興產生的互動，也有由我和另一位演員控制的部分。這樣的安排使觀眾在表演過程中，可以不僅僅是被動觀看的角色，而是能主動地以不同的角度來切入這個遊戲世界。我們的目的在於讓觀眾能夠在參與之中，感受到遊戲與現實之間的交迭，從而反思自身在這個多元世界中的位置。
作為媒體藝術家，將裝置藝術、聲畫投影、虛擬遊戲與現場表演集結在一份作品中，當中最難的部分是怎樣去處理的?
GayBird: 我認為最具挑戰性的部分便是如何有效地整合這些形式，這個過程帶來的困難與樂趣並存。最困難之處在於需要協調來自不同媒體和技術背景的創作者，大家各自擁有獨特的專長，為了共同的目標而努力創作。這並不是一個孤立的工作，必須關注每個人的進展和互動，才能讓最終的作品充滿生命力。我喜歡這樣的合作方式，因為多種聲音的交織使藝術作品更為豐富。
在團隊合作中，與每位成員進行深入的溝通至關重要。我始終堅信，讓參與者了解我的想法和意圖是促進合作的關鍵。我會組織會議，與團隊成員單獨和集體交流，明確我的構思及其背後的原因。同時，我也希望聽到他們的觀點和潛在的問題，以便及時作出調整。這種深入的討論能夠幫助我們確保每個人都在同一個頻道上，共同朝著藝術作品的目標前進。
我在每部作品中，都嘗試尋找新的合作夥伴，特別是年輕的創作者。在最近的一個項目中，我們的團隊中有兩位年輕的女藝術家專注於遊戲引擎和互動視覺設計。她們的創意為我們的作品注入了新活力，並開發了多個互動元素，豐富了作品的呈現。
一個完整的藝術作品必須有一個明確的起點，這需要我根據每位成員的技能和喜好來分配任務。在創作過程中，我會給予他們一些指導，而他們的反饋又會影響我的調整。這種相互影響的互動不僅使工作更加有趣，也能為我們的創作增添更多的層次和情感。
今次的合作有沒有為你對於下一份作品有新的啟發?
GayBird: 在我目前的創作過程中，確實感受到了一種新的啟發，尤其是這次的合作帶給我許多新的思考。我開始重新審視如何不僅依賴聲音來表達我的音樂理念，而是發現不同媒體的結合也能呈現出獨特的音樂性。我一直從事音樂和聲音的創作，但這次與影像的結合讓我有了不同的思考。我開始思考，音樂和影像之間應當如何互相支持，共同構成一個完整的表演。表演不只是一個簡單的過程，它成為了我作品的核心部分。
表演、聲音、影像、燈光及舞臺空間，這些元素均不可或缺，它們共同參與，形成了一個協調的整體。在音樂創作中，有一種技術被稱為對位法(counterpoint)，當兩件樂器同時進行時，彼此之間有時一方支持另一方，有時則各自展現。這種技術在多媒體合作中同樣適用。不同媒體之間的合作就像在進行對位，有時我們各自發揮，有時又齊心協力。這樣的協調不僅展示了藝術的多樣性，也增強了整體作品的豐富性。現場表演的能量和意外，亦都讓整個過程更加生動。即使這些意外是我們事先計劃的一部分，它們仍然為作品增添了不可預測的魅力。
對於現今的藝術媒介趨勢，對於將虛擬與現實混合在作品中呈現，會怎樣理解?你的呈現風格有什麼特別之處?
GayBird: 虛擬與現實的融合對我而言是一次全新的探索。特別是遊戲引擎的引入，為我的作品帶來了不同以往的創作靈感。例如，我在聲音設計上引入了一些新的元素，這些元素的產生無不受到遊戲引擎的影響。因此，我認為在這個領域還有很多潛力可以進一步開發。當代社會愈發投入在虛擬世界中，而這一現象正促使我在藝術創作中將虛擬與現實進一步結合。目前，將虛擬技術融入音樂表演或表演藝術的風格仍在初級階段。我發現市場上這方面的發展相對稀少，因此這讓我的作品成為了一個獨特的探索空間。觀眾在觀看我的表演時，可能對於我所使用的虛擬元素會感到陌生，這正是我所追求的藝術狀態。因為目前缺乏具體的參考案例，
使得我的創作具有了獨特的實驗性與探索性。當然，在這個過程中，我也注意到存在一些相似的表演藝術作品，儘管它們的表現手法各有不同。
對於剛入行或仍在學習相關學科的學生，我有幾點建議可以幫助他們啟發創作靈感。首先，實地觀賞表演的經驗是無可替代的，這比在YouTube上觀看要深刻得多。很多人誤以為在網上觀看表演就能獲得與現場相同的感受，然而，現場的氛圍與能量是透過屏幕無法體會的。因此，除了多看表演，實際動手創作、實踐也是非常重要的。鼓勵自己多參與實驗，並在實驗的過程中尋找靈感。最終，這些經驗和探索會促使他們在藝術創作的旅程中找到屬於自己的一片天地。
可否用幾句簡短的說話去形容「表演藝術」對自己來說是一件怎樣的事情?
GayBird: 對我而言，表演藝術是我用來表達自我的工具，更是我與他人連結的語言。當言語無法傳達內心的情感或者複雜的思想時，表演藝術便成為了我最直接、最有效的表達途徑。透過動作、音樂和肢體語言，我能夠將我內心深處的感受、故事和觀點傳遞給觀眾。觀眾不僅是在觀看一段表演，而是在體驗我的內心世界。
後記
《人類開箱》是對人性與現代社會的深刻探討，透過藝術家對媒體的獨特詮釋，觀眾不僅能在現場感受藝術的力量，更被引導去思考自己在這虛實交錯的時代中所扮演的角色。未來，GayBird希望透過更多創新的表演形式，激發觀眾的好奇心，並推動藝術在科技時代的持續演變。
@taikwun.hk @madebygaybird @hodim_hk
Special Thanks
梁基爵 GayBird
SPOTLIGHT大館表演藝術季
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在藝術的世界中，傳統與現代之間的對話生成了無數的創作靈感。黃就成師傅(Master Wong )與女兒黃錦敏(Kammy Wong)以嶺南盆景為核心，展現了如何通過作品《脫衣換錦》、《歲月輪迴》、《香港·香港》和《轉化·不息》，將傳統工藝與當代視角相融合，真誠地表達出對生命、記憶和文化的深切思考。這不僅是對歷史的回顧，更是對未來的展望。
Master Wong: 我的故事開始於嶺南地區的一個農家，我出生在海珠區。我的家族以務農為生，父親主要種植蔬果，母親則負責花卉。而我，從小也跟著他們，開始接觸耕作。在那個艱辛的年代，家裡有六個兄妹，讓我面對著巨大的生活壓力，必須在年幼的十四歲便出來工作。
Master Wong: 嶺南盆景的創作理念深植於對自然的崇尚。我們始終相信，所有來自大自然的美景，都是我們創作的靈感來源。因此，嶺南盆景最重要的特點之一，就是在於它的自然美。
Master Wong: 我一直不知道女兒其實對盆景有著濃厚的興趣，但由於她的工作繁忙，一直無法親自去嘗試。回想起幼時，她在我整理盆景的時候，曾經拿著樹枝玩，甚至已經懂得如何分辨盆景的優劣。如今，當她主動提出想要成為我的徒弟時，我心中無比感動，隨即答應她:「你一直都是我的徒弟，只是未曾正式認可而已。」
Kammy: 這四件作品圍繞著時間、記憶和生命力之間的微妙關係。為了進行深入的資料蒐集，我不斷向爸爸詢問他在製作盆景時的往事和故事，同時也閱讀了大量與嶺南盆景相關的資料。我們還一起探討不同的美學和觀賞角度，這種互動讓我獲益良多。
Kammy: 在這次的創作過程中，對我而言，最大的挑戰在於如何有效地固定樹木於水中，以確保其在滾動的水中烹煮時不會翻動，從而保護其枝條不受損壞。
Master Wong: 對我來說，最深刻的作品是《香港 · 香港》。它的樹頭形狀猶如獅子山，這不僅是一個地標，更象徵著這片土地的歷史和文化。回顧過去，香港曾經是一個小漁港，如今卻已發展成為聞名於世的大都會。這一轉變是歷史的縮影，展現出香港人的堅韌與創造力。作品中所描繪的獅子山，正是我們共同經歷的地方和面孔，充滿了回憶與情感。
Kammy: 我覺得藝術創作對我來說，在傳統的基礎上大膽創新和用心演繹，這個就是我覺得我接下來的一生人都會做一件事情。
通過這次專訪，我們不僅得以窺見黃氏父女的藝術創作過程，還感受到他們對嶺南盆景深厚的情感及對文化傳承的堅持。黃就成師傅用一生的心血推動中國盆景藝術的發展，而黃錦敏則在此基礎上將當代設計理念融入其中，開創了一幅新的藝術畫卷。這一代代傳承和創新，不僅彰顯了香港的堅韌精神，更為未來的藝術之路奠定了堅實基礎。在這種共鳴之中，他們的故事將繼續激勵更多追求藝術的人，展現出文化的延續與生命的美好。
黎潤詩(Cecilia)與陳郁(Barnard)透過飄雅活藝的工藝交流計劃，踏上了尋找竹藤編織技藝的旅程。此行讓他們不僅在台灣的鄭浩祥老師那裡學習到了珍貴的技藝，亦在廣東興寧的堯記籐廠深入探索當地工藝的精髓。兩位創作者的合作，展示了工藝與藝術的交融，創作出兼具傳統與現代感的獨特作品，讓我們重新思考竹藤工藝在當代社會中的意義。
Cecilia: 作為一名從事訪織的創作者，我一直希望能夠從根本著手，探索這門工藝的深層意義。因此，我們的創作過程始於最基本的元素—布料和線。這種由下而上的創作理念，讓我們能夠嚐試各種編織方法，進而擴展到更廣泛的領域。我們不僅限於傳統的織布技術，還開始涉獵藤編和竹編等多種材料，這些創新啟發了我無限的想像空間。隨著對編織技術的深入研究，我發現它可以引領我進入不同的藝術領域。
Cecilia: 在我過去的學習時期，我專注於紡織及時裝設計，看似是個普通的設計路徑。然而，選擇了編織這一方向，卻讓我更深入地體會到背後隱藏的故事。但當我步入職場後，我的工作重心卻轉向了報導。我作為記者聆聽了許多品牌的故事，這些故事深深吸引著我，讓我開始反思設計的根源。我發現自己更傾向於探索那些故事，並將其融入到產品中。通過編織，我不僅在技藝上有所精進，還在創作中尋找到了與不同文化對話的契機。
Cecilia: 在此次COP活動中，我們有幸與堯記藤廠的師傅及鄭浩祥師傅進行了一次跨地域與世代的交流，這次經歷讓我獲得了寶貴的學習機會。我們與這兩位師傅的相識，最初源自於我們對傳統工藝的共同探索。在前往台灣時，我原本只是期望能探尋自然素材的應用，卻意外地與鄭師傅結下了緣分。我了解到，香港的藤編工藝，其實在歷史上輝煌一時，但隨著時代變遷，如今卻愈發式微。
郁: 在這次的作品創作過程中，我們有幸能夠親自走訪台東，並尋找鄭浩祥師傅學習藤編工藝。與鄭老師的交流讓我感到十分珍貴。第一次見面時，他努力與我們溝通，而我因為普通話水平有限，我感受到了他的耐心。他告訴我，自己的師父當年也是來自香港，這讓我感受到一種文化上的連結和責任感。
郁: 在香港的文化背景中，藤藝是一個不可或缺的美的元素。在經典的電影和古老的相片中，藤家俱經常出現，承載著那個年代的風情與記憶。這使我深刻感受到藤藝的文化價值需要被保存和傳承。為了更好地理解當前香港藤藝的狀態，我選擇了深入學習和實踐這項技藝。我相信，藉由創造一些新穎的產品，傳統的藤藝不僅可以成為一件商品，更可以作為藝術作品來欣
Cecilia: 我遇到了最大的困難就是在工藝學習和實踐之間的矛盾。我們平時接觸的工藝多是依循師傅所教授的固定流程，這些師傅們經常會告訴我們必須完全跟從他們的步驟，否則就無法達到標準。然而，在藤編這一領域，卻給了我截然不同的感受。這裡的師傅們多數都是所謂的「執生」，這意味著他們強調的不是嚴格按照固定的模式，而是要發揮創造性和靈活性。
Cecilia: 這兩張鳳尾椅標誌著我們旅程的起點，也象徵著我們的成長。然而，正如老師所言，當我們學會了那項技巧後，完成鳳尾椅的過程就等同於出師。這意味著，在獨立創作的過程中，面對的挑戰與機遇皆由自己去把握。特別是在創作《龍鳳滕飛》的過程中，我們花費的時間和心力，並不比這張「出師」的椅子少。這件作品讓我深刻感受到融入個人元素的重要性。過程中充滿了磨索與嘗試，正是這種探索精神使得我們能夠將所學的技術應用到創作中。
郁: 我們的團隊名為「Breakthrough Art」，這不僅是一個名稱，更是我們追求創新的信念。在掌握了編織技術後，我們渴望將其進一步演變。過去我們從事的編織技術大多是平面的創作，而我們現在的願望是探索立體編織的可能性，希望藉此突破傳統界限。未來，我們希望不僅限於編織，還可以探試其他工藝及素材的結合。我們的理念是，這些技藝不僅僅是工具或表達的手段，更是一種發聲的途徑。每當我們在創作時，心中都有許多未能表達的情感和故事。我們希望透過我們的作品，讓觀者感受到我們所傳達的豐富內涵。
郁: 我會形容是一個追求極致的旅程，裏面會品嘗到喜怒哀樂的風景，但最後我們會得到很多很美好的回憶。
透過工藝交流計劃，藤井健(Takeshi Fujii)與劉宛馨(Crystal Liew)於香港及燕三條展開了一場跨地域的學習之旅。兩位工藝師在互動中不僅分享了各自的技術與理念，更在合作中孕育出多件融合日本和香港特色的藝術作品。他們的互動，不僅促進了技藝的傳承，也為當代金工創作注入了新的活力。
Crystal: 選擇這一行的原因，可以追溯至我中學時期。當時，我的學術背景主要集中於理科，完全沒有接觸過任何與藝術相關的課程。然而，隨著時間的推移，當我開始考慮未來的職業生涯，並思考自己在大學想要學習的科目時，我逐漸意識到自己其實對手作有著濃厚的興趣。這使我開始反思自己的名字「Crystal」，我心中冒出一個念頭: 為何不去探索與珠寶有關的領域呢?
Crystal: 在此次COP活動中，能與藤井健先生進行跨地域的工藝交流，事情始於2019年 COVID期間，我在參加Crafts and Peel的金工展覽時，與藤井健先生首次相識。展覽中，我們兩位工藝師被邀請展出作品，並因為理念和背景相近而得以進一步合作。
Crystal: 在這次的工藝交流計劃中，我與藤井先生的合作格外獨特，主要源於我們之間的語言障礙。身為日本人的他，與我之間的語言溝通確實有些限制。然而，作為從事工藝創作的人，我們反而通過手工實踐建立了更為堅實的聯繫。這次交流的開始，我們沒有大量的口頭交流，而是選擇了透過觀察與操作工具來互相學習。當我們走進對方的工作坊時，會隨手拿起工具去試驗，直觀地感受這些工具的功能及應用。
Crystal: 這段期間，我意識到靈活運用工具的重要性，如何使用手中的工具才是關鍵的所在。之前，我習慣了使用自己一套非常熟悉的工具，幾乎不需多加思考就能夠自然運用。然而，與藤井先生互換工作室的經歷，使我面臨了全新且陌生的環境與工具，這促使我必須更加靈活地適應。
Crystal: 在我對「傳承」這個詞的理解中，這兩個字所承載的意義相當沉重。傳承不僅僅是對某種文化或技藝的延續，更像一種責任與使命。在我成長的過程中，「傳承」這個概念往往與家庭有著密切的關係。傳統上，這涉及祖父傳給父親，再到兒子，這種家庭內的繼承往往被視為「傳承」的唯一形式。然而，隨著時代的變遷，我對這一概念有了新的看法。
Crystal: 在今次展出的作品中，我最深刻的體會來自於第一件作品——《茗香啡韻》。選擇這件作品的原因不在於它的技術挑戰性，而是當時我所面對的心態挑戰。在這個摸索的階段，我們處於一個全新的環境中，彼此之間的認識剛剛開始，對於創作和合作的理解全然未足。這種完全未知的感覺，讓我在心態上經歷了一次不小的挑戰。
Crystal: 對我而言，工藝像是一扇隨意門。每一次打開一扇門，都能進入一個全新的世界，那裡充滿了各式各樣的故事與文化。我熱愛探索和旅行，熱衷於在旅途中發現新奇的工藝。在這次的旅程中，我走進了日本的「錘起」工藝世界。這不僅僅是一種技術的學習，更是一場文化的交流與理解。在這道門背後，隱藏著許多值得探索的歷史與故事，讓我深刻體會工藝所蘊含的情感與精髓。
藤井健與Crystal的合作不僅是技術上的交流，更是對工藝精神的重新詮釋。這段珍貴的經歷將持續激勵他們未來的創作旅程，並為未來的工藝發展提供新的啟示。並推動更多年輕人投身於工藝領域，促進文化的傳承與創新。
在專訪中，導演練建宏分享了他首部長片《莎莉》的創作過程，並深入探討了電影背後的靈感來源及意義。自2018年開始籌備，這部影片取材於現代人面臨的孤獨和愛情的矛盾，講述了養雞農婦惠君結識法國男友後，與家人之間的心路歷程。這不僅是一段異國戀，更是一場對自我認識的探索。透過惠君的故事，練導演希望能引起觀眾對於選擇權的深思，無論是在愛情還是家庭責任上。
練: 在我創作《莎莉》的過程中，故事的初步構思與我個人的生活經歷息息相關。追溯到2018年，那時候的我已經踏入了一個人生的轉捩點，開始認真思考婚姻和家庭對我的意義。當我意識到如果選擇不結婚、不生小孩，以後的生活可能會獨自面對時，孤獨和自處便成為我思考的重要主題。這樣的心境引導我決定在我的第一部長片中探索這些內在情感。
練: 我在創作過程中並未專注於女性的視角。起初，我是以男性的視角來理解愛情和情感，然而當我開始卡在劇本的創作瓶頸時，我意識到身為男性的我，對於女性在某個年齡階段所承擔的心理負擔和文化期望實在難以完全理解。因此，我決定邀請一位女性編劇劉梓潔參與，旨在讓劇本增添更多女性的情感細膩和深度。
練: 主角在我心中的原型人物是我的阿姨，儘管她已經去世，但她的故事在我心中留下了深刻的印記。我的阿姨是大姊，在她那個年代，家中有六個孩子。相較於現在的家庭規模，如今台灣的家庭多數是三到兩個孩子，她的處境顯得尤為特殊。由於其他兄弟姐妹皆婚嫁，她獨自留下來照顧年邁的父母，為此她選擇了將家庭放在第一位，而非個人的情感生活。
練: 電影的開頭，主角惠君獨自在農村生活。她的這種自在並不是因為她的世界狹窄，相反， 對於惠君來說，農村生活是她心靈的一種歸屬。結尾時，她再次獨自回到農村，這樣的結局似 乎讓觀眾感到一種孤獨，但仔細想來其實又隱含著一種選擇的自由。惠君在這段旅程中，經歷 了許多的挑戰與成長，最終她所獲得的並不是更為單一的選擇，而是一種豐富的選項。
練: 在選擇演員方面，我對劉品言和林柏宏非常信賴。劉品言作為一位資深女藝人，在演藝圈中已經20年。對我來說，她的專業經驗和過往與不同導演、劇組的合作經歷讓我倍感安心。在這部作品中，劉品言的角色不僅是主角，她還要引領其他角色與故事的發展。因此，能夠擁有她這樣的演員參加，無疑是給予我極大的支持。
練: 在過去，我拍攝短片時，無論是資金來源還是拍攝時間都相對簡單。由於短片缺乏商業回收機制，大多依賴台北市文化局或文策院的補助，預算通常在一百到一百五十萬台幣之間，拍攝時間也僅有三到四天。而在那麼有限的時間裡，每個工作人員的薪酬也難以提高。因此，短
練: 前年，我拍完《莎莉》後，與剪接團隊一起工作時，有家公司找我拍攝BL劇。這是一個新挑 戰，我迅速投入其中，結果這部迷你劇集共十二集，每集二十五分鐘，我花了半年到一年的時間就完成了。雖然這部劇的預算只有《莎莉》的一半，但對我來說，電影和劇集實際上是兩個不 同的領域。
練: 比較官方上來說，我會描述它為一種自我成就的旅程。然而，私底下，這樣的旅程往往讓人感到疲憊。我很幸運能夠成為導演，因為有許多人信任我，認為我能講好故事，願意與我共同創作，成為我的演員和工作團隊。這樣的機會並不是每個人都能擁有，而我則非常珍視這份信任。
總結而言，《莎莉》不僅是一部具趣味性的電影，也是一種對現代人情感狀態的剖析。練建宏導 演用自己的生命經歷和對於女性角色的細膩處理，搭建起每個觀眾都能感同身受的情感共鳴。透過這部作品，他希望觀眾能勇敢追尋愛情，同時擁有選擇自我生活的能力。
在當代藝術的多元交織中，根據前半生藝術概念即將推出的全新當代音樂作品《無常塔》，我們將有幸探索生命的無常與內在情感的深度。由藝術策劃人賴燕婷主導，作品拉攏了作曲家梁騫仁及即興演奏家朱肇階，以音樂和視覺藝術深入挖掘人性之脆弱與生命的韌性。透過生動的音符和形體表現，這部作品意在引導觀眾反思自我以及日常生活中的無常與轉變，鼓勵人們在瞬息萬變的生命中尋找和諧之路。
賴：這次《無常塔》的整體概念源於我個人的經歷以及對生活的反思。在我人生的某一階段，我的母親經歷了一場嚴重的疾病，這段期間徹底顛覆了我的日常生活，我要面對的問題不再是單純的工作與生活，恆常的生活變得很重要。我辭去了工作，專心照顧母親，這個過程驅使我思考「無常」這個問題。
賴：在我之前的作品中，我通常會先確定一個想法，這一次也不例外。當我構思出《無常塔》的概念後，我便開始思考哪位藝術家能夠適應這一藝術形式。正好，我在上一個展演後與梁騫仁（Austin）開始了對未來合作的討論。我們建立的默契與信任，讓我們能夠勇於探索更為深奧的主題。
朱：這類型的作品在全球各地並不算新穎，著名作曲家 Meredith Monk 曾在一座塔內進行過創作，但在香港的藝術界裡，我認為這卻是具有開創性的一步。最大的困難在於如何確保我們所創作的音樂能夠體現導演所描繪的故事。我相信本次參與的每位藝術家在各自領域中都是卓越的，但真正的挑戰在於如何將每個人的藝術追求整合為一個統一的整體，並緊緊跟隨導演的主線。最具挑戰性的部分無疑是在於導演如何有效地引導整個作品的呈現，進而讓不同的藝術形式交織出一個有深度、有味道的全新體驗。
梁：導演賴燕婷的創作模式部署了一種新的溝通方式令我深刻感受到，創作過程中的指引越來越清晰，這無疑是一次很特別的體驗。作曲本身是一個微妙的過程，正如人生中的許多事情。身為作曲者，時常會面對這樣的情況：在某一瞬間，你會覺得自己所創作的已經非常完美。然而，當你再次轉變角度去審視它時，卻發現還有更好的可能性。這是一個持續掙扎的過程，尤其是在一首曲子即將交付的那一刻。許多人可能以為，當一首樂曲完成時，就意味著它已經完美無瑕，但在我看來，這只是一個交稿的時間戳。在那一刻之前，你仍然無法確定這是否是最佳的版本。此刻的掙扎和不斷思考，正是創作的本質。這次的合作使得整個創作流程顯得更加順暢和高效。在清晰的指引下，可以更好地理解即將發生的事情。我觀察到，這樣的指引讓我能夠精確地規劃創作的每一步，並迎接挑戰。這些限制反而成為我們創作的框架，促使我們在這些框架內探索更多的可能性。正如音樂大師 Stravinsky 所說，如果你沒有題目給我，其實是最困難的創作時刻；而有了限制，我們的創作空間反而會變得更加廣闊。
朱：首先，我認為「平衡」這個詞語的內涵在藝術創作中並不適用。許多人常談論「工作與生活的平衡」，但對於藝術創作者來說，工作本身就是生活的一部分，二者不應該彼此對立。因此，對我而言，探討這種「平衡」的意義就顯得格外複雜。我更願意使用「風格定義」這個詞來描述我的創作過程。我的音樂無法被單一風格所界定，它融合了流行、爵士與實驗音樂的元素，呈現出豐富的多樣性。
朱：首先，藝術對我而言是一種謎題的呈現。當我參與製作《無常塔》的過程時，深刻體會到團隊中每個人都如同藝術家般去探索這個創作的核心問題：什麼是藝術？這個問題在我心中引發了許多思考。藝術的影響力在於它能激發人們的情感，無論是聆聽 Stravinsky 或 Shostakovich 的音樂，心中都會湧起一種「嘩」的震撼感。這種感覺的確可以用樂理或定義去解釋，但它無疑地描述了一種更深邃的文化聯結。我要強調的是，藝術的力量常常來自於它的神秘性，這種難以言喻的東西才使我們對藝術產生了深刻的共鳴。它是一種超越具體的解釋和分析所能捕捉的生命精華。當我思考藝術的表達時，我察覺到藝術不僅是產出一個物件或一個表演的結果，更是這些過程中所有創作者的感受和思考的積累。這種無拘無束的創作模式，讓我在探索的過程中發現，無論最終的產品是什麼，每個參與者都能夠因藝術而改變自己，受到啟發。我非常理解藝術的個人定義是多元的，但能使我們感受到深刻影響的，往往正是一種直覺的理解。我認為，藝術表達中能夠包含着這些探索的元素和自由的空間，正如《無常塔》這樣的多媒體表演，在香港這個彈丸之地能夠展出，讓人不由得珍惜其中的藝術價值。
《無常塔》是一次心靈的探索之旅，透過音樂和視覺的力量，觀眾將深刻感受到生命的多樣性與不可預測性。賴燕婷、梁騫仁及朱肇階的合作，展現了無常這一概念的深刻意義，讓人明白在生命的起伏中，藝術不僅是表達，更是一種感悟與反思。展演將於2025年1月於香港大會堂劇院舉行，誠邀公眾一同參與，尋找那片迷失的光明。
在澳門這片富饒的土地上，尚．米榭．巴斯奇亞的「加冕之旅」展覽經已準備掀開神秘面紗，邀請藝術愛好者深入體驗這位藝術巨星的獨特創作世界。活動由新濠天地與多維體驗藝術空間Artelli聯合主辦，並獲得澳門特別行政區政府旅遊局及文化局的支持，展期從9月26日至11月24日，為觀眾呈現一場多元化的藝術盛宴，透過大型裝置、多媒體互動及沈浸式體驗，重新詮釋巴斯奇亞的經典作品。
Pal：作為Artelli的策展人，我有幸負責尚‧米榭‧巴斯奇亞「加冕之旅」的藝術內容及項目管理。回望這段旅程，我感受到這不僅僅是一次展覽，更是對巴斯奇亞這位偉大藝術家的致敬，同時也是對我們Artelli過去努力的肯定。
Pal：Artelli的地理位置位於澳門路氹金光大道的入口處，這種地理優越性使我們能夠與更多不同背景的訪客互動。因此，在我們的展覽中，我們致力於創造一個能夠讓觀眾深入瞭解巴斯奇亞這位獨特藝術家的多元化和參與式體驗。
Pal：在團隊構思這場藝術之旅時，首先想到的就是主題「Crowning Journey 加冕之旅」的意義。「王冠」作為巴斯奇亞最具代表性的創作元素，它不僅象徵著皇室的榮耀，更深刻體現了他對於勝利和自我的追求。透過這個主題，我希望能夠引領觀眾深入瞭解這位在藝術界創下驚人成就的藝術家。
Pal：這次藝術項目擁有四個不同的展示區域，每個區域都具有獨特的特點，讓觀眾更加深入地瞭解這位傑出的藝術家。首先，主入口區域透過一系列藝術裝置，將來賓帶入巴斯奇亞80年代紐約街頭的氛圍。我們希望觀眾能夠沈浸在充滿活力和視覺衝擊的藝術世界中，感受到巴斯奇亞的創作靈感、時代背景和音樂影響。這種生動的敘事方式，讓人從各個角度領略巴斯奇亞的藝術觀。
The Showroom的巨型外牆畫作《Grillo（1984）》突破了傳統畫布的界限，讓巴斯奇亞的作品更加引人注目。這個作品裡的兩個黑色人像面部表情誇張，情感豐富，而背景充滿著來自非洲傳統的符號和象形文字，這些都是他作品中典型的元素，突出了其非裔美國人的身份，體現他對非洲文化和藝術的認同，以及對他影響極為深遠的種族主義的關注。而The Showroom樓頂直徑10米、高6米的皇冠，除了是BASQUIAT作品中最標誌的元素，也象徵著他藝術生涯中的一個「加冕」。
Pal：在項目起始階段，我們與紐約基金會藝術家的合作進入了一個繁複的審批過程。這個過程每一位團隊成員都需要貢獻自己的專業知識和創意。特別是在內容設計上，我們需要平衡藝術家的創作本質與觀眾的需求。這是一個不斷反覆討論和修改的過程，每一個小細節都需要慎重考慮。
Pal：我覺得藝術是人類無法用言語表達，或者不想用言語表達的表達方式，反映著創作的時代、社會、文化和個人的痕跡。藝術可以是美的也可以是醜的；可以是美好的也可以是悲傷的。
展覽體現了巴斯奇亞在藝術歷史上的重要地位，更是一次藝術與文化的交融之旅。通過Artelli的精心策劃，展覽將鼓勵更多的觀眾思考藝術作品背後的意義與情感，展望未來，藝術將如何繼續影響我們的生活。透過這場展覽，觀眾能見證巴斯奇亞的藝術成就，也能激發對於自身創意與潛能的探索，正如巴斯奇亞所代表的那樣，藝術的魅力在於打破界限，讓每個人都有機會成為創作的一部分。
